with Lars Eidinger

Berlin, March 2025 - Für die originale Version auf Deutsch siehe unten.

Upon his nomination for Best European Actor in the movie Dying (2024), I had the chance to meet Lars Eidinger in Lucern just before the European Film Awards Ceremony. After our lengthy talk, Lars and I met once again in March 2025, in order to create some analog images.

Our conversation covers both of his appearances in Dying (2024) and Das Licht (2025). Below you can read his approach to acting in both of these films, and probably in general.

Burcu Beaufort: In Sterben (2024), you played a tormented composer, while in Das Licht (2025), your character faces existential limits differently. What drew you to these roles, and how do they differ in portraying inner dissolution?

Lars Eidinger: Both characters are alter egos of their directors—Tim in Tom’s film and Tom in Matthias’ film. However, directors also infuse themselves into all characters. It’s like a dream, where everyone represents aspects of oneself. Both Tom Tykwer and Matthias Glasner aimed for deeply personal films to achieve universal resonance.

BB: Your character in Das Licht reflects our era which is overwhelmed by complexity, obsessed with self-presentation. Do you see the film as a social diagnosis, and do you relate to your character’s existential fragility?

LE: We live in an age of narcissism, though often misunderstood. True narcissism isn’t self-love—it’s being unable to love oneself because one remains a stranger to their reflection. This alienation extends to society: we have become strangers to ourselves. Interestingly, in Das Licht, the so-called “foreigner” serves as an allegory, bringing the family together and urging them to truly see each other.

BB: That’s fascinating. Does this approach come from your theater experience?

LE: It’s what works best for me and Corinna. At drama school, I was surprised by how much effort goes into shielding oneself as an actor. But I believe true art, including acting, requires vulnerability. Ironically, theater is symbolized by masks, yet its essence is about removing them.

BB: How did you decide to take on this role? What drew you to Tom’s character?

LE: The first thing Matthias Glasner told me was that he’d send me a book about his life and that I’d play him. That alone convinced me because I admire him as a filmmaker. It’s a huge sign of trust to say, I’m making a film about my life, and I want you to interpret me. Even though it’s just an alter ego, he later told me he was happy with how I portrayed him. That’s one of the greatest compliments. Art is about recognition of oneself and by others. Maybe life is, too.

BB: Tom is often described as “cold”, even by himself. Do you agree?

LE: That’s interesting. I never planned to play him as cold. When he says he is, tears are running down his face. I find contradictions much more compelling. That’s what I learned in drama school: always look for the paradox. Shakespeare used oxymorons as a stylistic device. A sad text can be spoken with joy, and a joyful one with sadness. That friction creates energy and makes it more interesting than simply illustrating an emotion.

BB: What do you think happened in Tom’s family to create such distance?

LE: That kind of emotional detachment is a very German phenomenon. Corinna Kirchhoff, who saw the film, called it European nihilism. Tom’s mother greeting him with a handshake. This really happened to Glasner. In Germany, family relationships often lack depth, and I think our history plays a role in that.

BB: The mother and son explicitly say they don’t love each other. Do you believe that?

LE: I think if you don’t love yourself, you can’t love others. The mother rejects herself completely. That’s a central theme of the film. People often misunderstand narcissism. It’s not self-love but the inability to recognize oneself. A narcissist sees their reflection but doesn’t truly see themselves.

BB: The film has darkly humorous moments. Was that intentional?

LE: Definitely. When Glasner first told me about the project, he said he was looking for actors with funny bones. He didn’t want it to be just heavy and bleak. There’s a moment when Tom’s sister arrives, and suddenly, the film turns grotesque. It’s almost a genre shift. That’s deliberate. There’s even a meta-layer where the film comments on itself. Tom tells the composer: Kitsch is when emotion doesn’t reach reality. That’s also a statement about the film itself.

BB: The film took years to make. Why was it so hard to finance?

LE: No one wanted to fund it. And yet, after all the success, the German Film Award, the Berlinale competition slot, the European Film Award nomination, it’s fascinating that this film was initially rejected. Tom Tykwer recently told me Sterben was his favorite film of the last ten years, but that it would only reach 10% of the audience it deserves—because of its title. He might be right.

BB: Do you think people avoid it because of the title?

LE: Probably. But what does that say about our society? Death is such a taboo that people won’t even see a film with that name. But death isn’t just something that waits for us at the end of life. It’s always present. Every moment that passes is a dead moment.

BB: Or as Dalí put it, you’ve escaped death once again.

LE: Exactly. But really, life is dying. We’re constantly fading. That’s not meant to sound bleak, it’s just reality. When my grandmother passed, I saw her laid out, and through her absence, I understood what life truly is. That’s why I think Sterben says more about life than many films that are supposedly about life.

BB: The film is dedicated to Glasner’s family, the living and the dead. That makes you appreciate being among the living.

LE: Next year, I’m shooting a vampire film with Ulrike Ottinger. It’s interesting, why are immortal beings always so melancholic? Every vampire carries a sadness. Maybe the beauty of life is in its mortality. That’s something worth understanding.

Originale Version auf Deutsch

Burcu Beaufort: In „Sterben“ verkörpertest Du einen zerrissenen Komponisten, in „Das Licht“ nun eine Figur, die auf andere Weise mit existenziellen Grenzerfahrungen konfrontiert ist. Was hast Du an der thematischen Nähe dieser beiden Rollen gereizt – und wo siehst Du die entscheidenden Unterschiede in der Darstellung von innerer Auflösung? 

Lars Eidinger: Beide Figuren sind in gewisser Weise Alter Egos der Regisseure. Tim in Tom‘s Film und Tom in Matthias’ Film. Trotzdem haben beide Regisseure natürlich auch Anteile an allen anderen Figuren, die im Film auftauchen. Das ist wie in einem Traum, in dem ja im Grunde nicht wirklich andere Personen auftreten, sondern sich immer die Beziehung zeigt, die man zu den jeweiligen Menschen hat. Man ist in gewisser Weise jede Figur selbst. Man kann auch sagen, dass sich in den Filmen die Persönlichkeit der Regisseure Tom Tykwer und Matthias Glasner, in den unterschiedlichen Charakteren auffächert und in ihrer Vielschichtigkeit und Ambivalenz darstellt. Beide hatten die Absicht einen Film zu machen, der so persönlich wie möglich ist, um so universell wie möglich zu sein. 

Burcu Beaufort: Ihre Figur in “Das Licht” wirkt wie ein Spiegel unserer Zeit – überfordert von Komplexität, getrieben von Selbstinszenierung. Wie sehr begreifst Du „Das Licht“ auch als gesellschaftliche Diagnose, und inwieweit teilst Du die existenzielle Fragilität Ihrer Rolle?

Lars Eidinger: Wir leben im Zeitalter des Narzissmus. Wobei es ein gängiges Missverständnis bei der Verwendung des Begriffs gibt. Als Narzissten werden oft Menschen bezeichnet, die selbstverliebt und eitel um sich selbst kreisen. Aber gemeint ist das Gegenteil. Narziss kann sich selbst nicht lieben, weil er sich selbst im Gegenüber im Spiegelbild nicht erkennt. Das ist die eigentliche Tragödie. Er bleibt sich fremd. Mit der Konsequenz, dass wer sich selbst nicht lieben kann auch keinen anderen Menschen lieben kann, beziehungsweise erkennen. Und das ist absolut meine Beobachtung und wenn man so will, eine gesellschaftliche Diagnose, dass wir uns selbst fremd geworden sind.

Interessant ist auch, dass in „Das Licht“ die sogenannten Fremde, wie eine Allegorie, die Figur ist, die die Familie wieder zusammenbringt und sie auffordert, sich einander zu zeigen.

Burcu Beaufort: Im Vergleich zu deinen früheren Performances, spielst Du in dem Film Sterben einen Charakter, Tom, der eher ruhig ist - oder zurückhaltend. War diese Rolle besonders herausfordernd für Dich?

Lars Eidinger: Ich kann schon verstehen, dass man vielleicht ein bisschen irritiert ist, wenn man mich aus dem Theater kennt, Hamlet oder Richard III. 

Aber ich würde sagen, da arbeiten ja alle Schauspieler sehr unterschiedlich. Das meine ich auch nicht wertend, jeder kann den Beruf so ausüben oder so interpretieren, wie er will. 

Bei mir ist es so, dass sich die Form immer nach dem Inhalt ausrichtet. Es gibt Schauspieler, Schauspielerin, die eine bestimmte Spielweise oder Form haben und diese Form stülpen sie jedem Inhalt über. Bei mir ist es genau umgekehrt. Also ich habe keine Spielweise in dem Sinne. 

Die Inszenierungen von Thomas Ostermeier von Hamlet und Richard III verlangten für mich nach einer extremen und expressiven Darstellung. Aber der Film von Matthias Glasner tut das nicht. Deswegen habe ich da gar nicht gedacht, “ich versuche mich jetzt mal zu reduzieren". Matthias und ich haben da auch nie darüber gesprochen. Als Schauspieler versuche ich sehr aus dem Moment zu schöpfen und mich so wenig wie möglich vorzubereiten. Das heißt, ich bin dann manchmal selber überrascht, wie ich spiele. Ich lerne den Text schon, aber ich könnte ihn jetzt zuhause nicht laut aufsagen oder so. Ich übe vorher nicht, sondern gehe einfach hin, dann gucke ich, wie der Satz rauskommt. Für mich ist eigentlich die größte Gefahr als Schauspieler/Schauspielerin, dass man zu seinem eigenen Klischee verkommt und dass man immer das bedient, was die Leute vermeintlich von einem erwarten. 

Diese Rolle und die Nominierung zeigen mir eigentlich, dass es nicht an eine gewisse Spielweise gebunden ist, sondern eher an persönlichen Ausdruck. Letztendlich ist es sogar egal, ob es extrem ist oder expressiv oder introvertiert. Es geht eher um eine Glaubwürdigkeit. Was auf jeden Fall eine Verbindung (zwischen diesen Rollen) ist, unabhängig von der Spielweise ist mein Anspruch auf Aufrichtigkeit den Situationen gegenüber. Ich würde zum Beispiel immer sagen, wenn ich spiele, bin ich mehr ich selbst, als wenn ich jetzt hier sitze. Das ist ja so ein Irrtum oder ein Irrglaube, dass man denkt “Jetzt so ist er ganz privat.” Ich spiele jetzt auch eine Rolle, bin ja jetzt in der Rolle der Person, die interviewt wird. Ich bin jetzt hier persönlich, aber nicht privat. Privat bin ich vielleicht nochmal ganz anders. Das führt aber auch dazu, dass ich denke, ich kann eigentlich in so einer Rolle mehr ich selbst sein, als wenn ich jetzt im Alltag bin. Da die Rolle mir oft ermöglicht, einen Zugang zu meinen Emotionen zu finden, die mir vielleicht im Alltag oder in der Realität verschlossen sind. 

BB: Vielleicht ist das Schauspielen ein Raum, wo man eigene Gefühle etwas freier rausbringen kann? Ist man im Alltag zu sehr vorsichtig?

LE: Ja, und in der Fiktion kommt man in Situationen, in die man vielleicht sonst nicht kommen würde. Zum Beispiel in “Hamlet”, da kann ich mir über drei Stunden vorstellen, dass mein Onkel meinen Vater umgebracht hat, meine Mutter ist vielleicht die Komplizin und meine Freundin wird wahnsinnig und bringt sich um. Wenn ich mir das drei Stunden vorstelle, dann wird es natürlich Teil meines erlebten Lebens. Diese Idee  “Alles ist nur Theater und ist doch auch Wirklichkeit.“ (Katja Ebstein „Theater“)  Auch die Fiktion kann erlebtes Leben werden.  

Diese Konfrontation mit der Mutter in dem Film "Sterben" ist eine sehr lange Szene, die geht ja 20 minuten. Ich bin total dankbar dafür, dass ich in der privilegierten Situation bin, mit Corinna (Harfouch) diese Szene durchzuspielen und mir vorzustellen, es wäre eine reale Situation. 

Weil ich diese Konfrontation vielleicht im realen Leben gar nicht so habe, oder nicht so provozieren könnte und auch vielleicht gar nicht aushalten würde. Man macht ja auch in der Figur Sachen, die man sich vielleicht im wahren Leben gar nicht trauen würde. 

BB: Die Szene mit der Mutter fand ich übrigens großartig. So ein Gespräch müsste man eigentlich mit mindestens einem Elternteil haben. 

LE: Hattest du auch noch nicht? Ich weiß es nicht, ob ich das könnte. Diesen Mut, den sie haben, sich das alles zu sagen, finde ich schon beeindruckend. Es ist eine echte Begegnung. Sowas machen die wenigsten Menschen, glaube ich.  

Diese Szene haben wir vorher nicht geprobt. Das, was man im Film sieht, ist der erste Take, ohne Probe. nicht mal Durchsprechen der Texte. Es wurde aus zwei Perspektiven aufgenommen, eine Kamera auf Corinna und eine Kamera auf mich.
Aber es ist derselbe Take und es ist der erste Take, der gefilmt wurde. 

BB: Das ist für mich ein unglaublicher Insight / Einblick, das wusste ich gar nicht. Hängt es damit zusammen, dass Du aus dem Theater das so kennst? 

LE:  Es ist die Methode, die für mich am besten funktioniert und für Corinna anscheinend auch. Wenn ich ehrlich bin, habe ich mich in der Schauspielschule ein bisschen gewundert, wie viel Aufwand betrieben wird, um sich abzusichern, um sich zu schützen.  Ich glaube, dass die eigentliche Qualität von Kunst oder vom Schauspiel ist, sich ungeschützt zu zeigen, beziehungsweise sich überhaupt zu zeigen.

Mich wundert sogar, dass das Symbol für Schauspielerei oder Theater Masken sind. Ich glaube, es geht im Theater darum, die Masken fallen zu lassen. 

BB: Wie hast du Dich eigentlich für diese Rolle entschieden, was war denn für Dich so anziehend bei dem Charakter Tom? 

LE: Das erste, was Matthias Glasner am Telefon mir gesagt hat, war, dass er mir ein Buch über sein Leben zuschicken würde und ich würde ihn spielen. Das hat mich schon überzeugt, weil ich ihn als Filmemacher sehr schätze. Obwohl wir uns ja gar nicht so kannten, finde ich es ein großer Vertrauensbeweis, dass man sagt, “ich mache einen Film über mein Leben und suche mir diesen Schauspieler aus, das zu interpretieren.” Es ist klar, es ist nur ein Alter Ego. Aber auch im Nachhinein hat er mir gesagt, er ist sehr glücklich damit, wie er sich selbst im Film durch mich präsentiert. Das ist für mich schon eine der schönsten Komplimente. Ich glaube, es geht in der Kunst immer darum, erkannt zu werden und sich zu erkennen zu geben. Wahrscheinlich geht es sogar im Leben darum. In der Bibel ist dieses Erkennen ein Synonym für Liebe, im Sinne von “Sie erkannten einander und sie wurden ein Fleisch”. Das ist eigentlich das intimste Moment, das gegenseitige Erkennen. Deswegen finde ich es auch ein sehr intimer Vorgang, dass Matthias sagte, er will durch mich und durch meine Darstellung erkannt werden. Als er mich das gefragt hat, war ich eigentlich sehr interessiert und dann hat er mir das Buch geschickt. Ich fand das Buch auch sehr sehr einnehmend. Das ist dann für mich das Hauptkriterium. Ich wusste da zum Beispiel gar nicht, wer da noch mitspielt, wobei ich das natürlich wichtig und interessant finde. Ausschlaggebend ist für mich die Geschichte. Als ich das Buch gelesen habe, war ich schon überzeugt, dass ich den Film machen will.

BB: Der Charakter, den Du in dem Film spielst, Tom, wird öftermals als “kalt” bezeichnet. Auch er selbst tut es. Stimmst Du es zu, dass Tom kalt ist?  

LE: Ja, das ist interessant. Ich glaube, das hat damit zu tun, dass ich es nicht wirklich vorbereitet habe. Er sagt, dass er kalt ist, dabei laufen mir (dem Tom) die Tränen runter. Es ist mir einfach passiert, es ist keine Interpretation in dem Sinne, dass ich gesagt habe, “ich möchte jetzt einen kalten Charakter zeigen, der dann emotional wird.”

Ich finde das allerdings viel interessanter, wenn man in diese Wiedersprüche geht. Wenn jemand sagt, er ist kalt und dabei emotional ist. Das war auch das, was ich in der Schauspielschule gelernt habe und was ich sehr hilfreich fand, dass man immer über den Widerspruch gehen soll. Der Widerspruch oder das Paradox ist auch das favorisierte Stilmittel von Shakespeare, das Oxymoron. 

Auf der Schauspielschule lernt man, dass man einen traurigen Text heiter aufsagen oder eine heitere Geschichte traurig. Alleine über diesen Widerspruch entsteht eine Reibung und sie setzt Energie frei, wodurch es immer interessanter wird, als wenn man es einfach nur illustriert. 

 BB: Was ist eigentlich in Tom’s Familie passiert, was ist Deine Interpretation dazu? Woher kommt diese Distanz zwischen den Eltern und Geschwistern?

LE: Diese Beziehungen in Tom’s Familie ist ein deutsches Phänomen. Vor zwei Monaten habe ich die Schauspielerin Corinna Kirchhoff getroffen. Sie hatte den Film gesehen und fand ihn großartig. Dabei sagte sie, es sei Europäischer Nihilismus.Dass die Mutter den Sohn mit einem Handschlag begrüßt, ist wirklich die Geschichte des Regisseurs Matthias Glasner. Er ist von seiner Mutter immer per Handschlag begrüßt worden. Aus deutscher Perspektive dachte ich immer, dass es viel mit unserer Geschichte zu tun hat. Die Atmosphäre, in der ich groß geworden bin, oder die Körperlichkeit, die in meiner Familie stattgefunden hat und dass die Beziehungen in der Familie oft nicht wirklich tief sind. 

BB: Und genau das bezeichnen sie in dem Film als kalte Persönlichkeiten, was das auch immer heißen mag. 

LE: Ich denke auch nicht in diesen Kategorien. Es ist so ein bisschen Schwarz Weiß denken. Man sagt, es gibt gute Menschen, es gibt böse Menschen. Für mich sind wir alle ambivalente Wesen.

BB: Ich habe mich ständig gefragt, was in Toms Familie eigentlich passiert ist. Meistens hat man ja als Geschwister eine andere Beziehung zueinander als zu den Eltern. Man hat ein Verständnis für den anderen Geschwisterteil, da man ja die Geschichte des anderen gut kennt - vielleicht wie “partner in crime”?

LE: Ich bin mir nicht so sicher, ist das so? Also in meiner Familie, ohne jetzt sehr ins Detail zu gehen, ist es ähnlich wie bei Tom und seiner Schwester. Ich bin mit meinem Bruder auch nicht “partner in crime”. 

Ich glaube, das hat damit zu tun, inwieweit man es schafft, als die neue oder nachfolgende Generation, sich von der Elterngeneration zu emanzipieren, oder ob man in die Gefahr läuft, ähnliche Muster zu wiederholen. Wenn es gelingt, dass man eine Verbindung mit seiner Geschwister eingeht und sich vielleicht sogar ein bisschen gegen die Eltern stellt oder zumindest emanzipiert, sogar rebelliert, dann ist schon viel gewonnen. Aber manchmal droht auch die Gefahr, dass man eine gewisse soziale Inkompetenz einfach reproduziert.

BB: In dem Film sagen Mutter und Sohn sich gegenseitig, dass sie einander nicht lieben. Kann das eigentlich sein? Dabei wirken beide so sehr unglücklich.

LE: Ich glaube schon daran, dass man den anderen nicht lieben kann, wenn man sich selbst nicht lieben kann. Dieser Konflikt, dass die Mutter sich selbst sehr ablehnt, ist  im Film sehr präsent. Sie könnte in dem Moment genauso gut sagen, “Ich habe mich nie geliebt.” Das ist auch der Narzissmus-Aspekt, der mich total interessiert. Leute denken oft, dass Narzisst jemand ist, der in sich selbst verliebt ist. Das ist aber damit nicht gemeint.  Der Konflikt von Narzisst ist, dass er sich selbst nicht erkennt. Er sieht sein

Spiegelbild und erkennt sich nicht. Das ist der eigentliche Konflikt.

BB: Wenn ich zurück zu dem Film komme, findest du ihn auch ein bisschen satirisch? In einer Szene zum Beispiel, Tom steht vor der Badezimmertür, und weißt genau dass da drin gerade sein Freund ein Suizid begeht. Dabei klingelt sein Handy und er geht ran. 

LE: (Lacht) Ja, das ist auch die Idee. Das war das erste, was Matthias Glasner zu mir gesagt hat, als wir uns getroffen haben. Das war noch während des Lockdowns in Berlin. Wir durften nicht wirklich nah aneinander sein und mussten nur auf Distanz spazieren gehen. Da hat er mir den Film erzählt und sagte, er sucht nach Schauspielern mit funny bones.  Ich glaube, das trifft dieses Satirische, was Du meinst. Also ihm (dem Regisseur) ist es immer ganz wichtig, dass bei dem Film auch gelacht wird. Was er vermeiden will, dass es nur Betroffenheit auslöst bei den Leuten.

BB: Das tut der Film irgendwie schon, weil die Geschichte sehr intensiv ist. Es werden viele Themen neben der familiären Beziehungen angesprochen, wie Selbstzweifel und Depressionen von Toms Freund, Alkohol, (offenen) Beziehungen… Man hat aber doch einen gewissen Humor in der Geschichte. 

LE: Das ist total das Konzept. Was ich auch interessant finde, ist, dass es fast wie eine Genrewechsel ist, in dem Moment, wo die Schwester kommt. Es wird ganz plötzlich grotesk. Das alles macht der Regisseur absichtlich. Er zeigt vorher diese Diskussion zwischen dem Dirigenten (Tom) und dem Komponisten (Bernard), wo der Dirigent sagt, “ab jetzt wird es Grand Guignol”. 

Eigentlich sagt der Regisseur das als Dirigent vorher an, und dann passiert es in seinem Film. Das finde ich sehr klug. Dadurch ist es wie eine Metaebene. Auch da, wo er dem Komponisten sagen lässt: "Kitsch ist, wenn das Gefühl die Wirklichkeit nicht erreicht.” Das ist ein Kommentar auf seinen eigenen Film. 

BB: Wie lange hat es eigentlich gedauert, den Film zu finalisieren? Angefangen hat es während der Pandemie?

LE: So 3-4 Jahre. Anfangs haben sie keine Finanzierung bekommen. Das ist ja total interessant, wenn man schaut, wie viel Aufmerksamkeit der Film bekommen hat durch den deutschen Filmpreis, die Nominierung für den Europäischen Filmpreis, dass er auch im Wettbewerb der Berlinale lief. Den Film wollte keiner finanzieren. Das hat auch etwas mit dem Titel zu tun. 

Mit Tom Tykwer habe ich gerade einen Film gedreht, der die Berlinale eröffnet. Er hat zu mir gesagt, dass sein Lieblingsfilm der letzten zehn Jahre der Film “Sterben” ist. Das fand ich total schön und uneitel von einem Regisseur. Aber er hat gesagt, dass der Film nur zehn Prozent der Zuschauer bekommen wird, die er eigentlich verdient hätte - wegen des Titels. Vielleicht hat er sogar ein bisschen Recht behalten. 

BB: Meinst Du so ein starker Titel, der die Leute etwas abschreckt? 

LE: Ja, wobei ich mich dann frage, was erzählt das über eine Gesellschaft, wenn Sterben so ein Tabu ist, dass man einen Film vermeidet, der so heißt. Ich glaube, es hat etwas mit unserem Umgang mit dem oder Zugang zum Tod zu tun und dass die Leute tatsächlich versuchen, das Thema zu vermeiden. Dabei ist es ja eigentlich ein Thema, das allgegenwärtig ist. Ich finde, es ist ja ein Irrglaube zu denken, dass der Tod am Ende des Lebens auf einen warten würde. Eigentlich ist der Tod ja immer anwesend. Also jeder Moment, der vergangen ist, ist ein toter Moment.

BB: Oder man hat dem Tod einfach entkommen - quoting Dali. 

LE: Ja, genau. Aber eigentlich heißt Leben Sterben. Es ist ein permanentes Vergehen, weil man ja auch älter wird. Ich will nicht sagen, dass es schön ist zu sterben. Ich will sagen, dass man einfach ein Bewusstsein dafür entwickeln muss, dass es das Leben ohne Tod nicht gäbe, und umgekehrt. Das ist eine unmittelbare Abhängigkeit, so dass das eine das andere bedingt. 

Ich habe meine Oma aufgebahrt gesehen, als sie tot war. Das war für mich einer der prägendsten Momente meines Lebens, weil ich durch die Abwesenheit des Lebens eine Ahnung davon bekommen habe, was das Leben ist. Deswegen glaub ich, dass so ein Film wie Sterben viel mehr über das Leben erzählt, indem man den Tod thematisiert, als jetzt ein Film, der einfach nur vordergründig vom Leben handelt. 

BB: Matthias Glasner widmet den Film seiner Familie, den Lebenden und den Toten. Mit dieser Widmung am Ende des Films schätzt man schon sehr, sich zu den Lebenden zählen zu dürfen.

LE:  Ich drehe nächstes Jahr wieder einen Vampirfilm mit Ulrike Ottinger. Da fragt man sich ja auch, warum Figuren, die unsterblich sind, traurig sind. Jeden Vampir umgibt immer eine Traurigkeit oder Melancholie. Das heißt, die Qualität des Lebens liegt auch in der Sterblichkeit. Das finde ich einfach wichtig zu verstehen.